Per gli artisti contemporanei, il trompe l'oeil è molto più che ingannare l'occhio

Plinio il Vecchio, nella sua Storia Naturale, registra una gara di abilità tra due artisti. Secondo l'opera antica, Zeusi dipinse l'uva in modo così realistico che gli uccelli tentarono di strapparla dalla vite, ma quando cercò di scostare la tenda che nascondeva l'opera del suo concorrente Parrasio, scoprì che la tenda stessa era il dipinto: Zeusi potrebbe aver ingannato gli uccelli, ma Parrahasius aveva ingannato i suoi simili.

Questa illusione pittorica divenne nota come trompe l'oeil, il suo scopo "ingannare l'occhio attraverso varie tecniche pittoriche ed effetti ottici che permettono una distrazione visiva in cui lo spettatore prende parte attiva", ha spiegato María Eugenia Alonso, curatrice tecnica della mostra. “Iperreale: l'arte del trompe l'oeil”, esposto lo scorso anno al Museo Nazionale Thyssen-Bornemisza di Madrid. Questa tecnica permette allo spettatore di vivere una serie di esperienze, ha detto: “dall’inganno iniziale alla scoperta finale di essere stato ingannato”.

Gli artisti del Rinascimento che conoscevano Plinio emularono la tecnica, ma fu nell'Olanda del XVII secolo che il trompe l'oeil divenne un genere pittorico indipendente che avrebbe continuato a essere coltivato fino al XIX secolo. Sebbene poi sia caduto in disgrazia in Europa, è stato ripreso nello stesso secolo da artisti nordamericani e continua ad essere utilizzato da artisti con effetti diversi nel 21° secolo.

Ci piace pensare che non ci lasciamo ingannare così facilmente come gli antichi greci, ma nell'era delle opere d'arte create dall'intelligenza artificiale e dei falsi profondi, non è necessariamente così. In effetti, gli artisti che oggi lavorano con il trompe l'oeil forse non stanno cercando di confonderci deliberatamente, ma piuttosto ci incoraggiano a guardare attentamente il mondo che ci circonda e a mettere in discussione ciò che vediamo.

Il pittore Daiya Yamamoto fonde l'eredità dei maestri fiamminghi con la purezza dell'estetica giapponese per creare opere squisite e minimaliste. In una recente mostra personale alla Galerie Taménaga, i suoi lavori fotorealistici si sono spesso concentrati su soggetti che non sono considerati convenzionalmente attraenti: uno strumento da giardinaggio, o fiori in boccio piuttosto che in piena fioritura, per esempio. Dipinto come se fosse attaccato alla tela o sospeso a uno spago sottile, il risultato è sublime.

In mt masking tape (2020), Yamamoto riesce persino a trasformare strisce di nastro adesivo eau de nil in un'opera di sorprendente bellezza meditativa. Lo spazio attorno al soggetto è sempre una parte vitale della composizione, dando spazio per contemplare gli oggetti che ha reso in modo così dettagliato e incoraggiandoci a mettere in discussione i nostri preconcetti su ciò che è e non è degno di ammirazione.

Il nastro adesivo è presente anche nell'opera del pittore tedesco Jochen Mühlenbrink: nastro adesivo lucido e marrone. In un gioco sulla tradizione seicentesca di rappresentare realisticamente il retro del dipinto, Mühlenbrink dipinge il nastro da pacchi che tiene insieme fogli di pluriball, che sembrano essere avvolti attorno a una tela. Altrove è organizzato secondo schemi astratti casuali.

In opere come WP (2023), parte di una recente mostra personale presso Gether Contemporary, Mühlenbrink trasforma la tela in una finestra appannata, completa di graffiti disegnati con le dita; le gocce risultanti sembrano tagliare il vetro appannato mentre scivolano lungo il vetro. Sono così straordinariamente realistici che persino i colleghi e i galleristi dell'artista sono stati ingannati, ma il semplice inganno non è il suo scopo, ha detto ad Artsy: è la distanza tra il dipinto e lo spettatore che consente la sospensione della convinzione che lo affascina.

“A seconda della scala, c'è una distanza specifica quando il dipinto dice 'stop'. Quando ti avvicini inizi a guardare dietro le quinte, sei attratto dai dettagli, ma non riesci più a vedere la composizione nel tuo campo visivo", ha detto Mühlenbrink, sottolineando che per apprezzare appieno la magia delle sue opere, hanno da vedere di persona.

Essendosi sempre considerata una pittrice di nature morte, Josephine Halvorson ha detto che il trompe l'oeil alla fine l'ha "trovata". "Come qualcuno che dipinge dalla vita, la mia ambizione è sempre stata quella di trascrivere l'esperienza di essere lì per lì in un dipinto", ha detto. Il lavoro di Halvorson comprende una serie di finestre e porte create alla stessa scala dell'architettura di Villa Medici, dove ha preso parte a una residenza presso l'Accademia di Francia.